Autismos Automáticos

Un espacio de Rita Cooper que coordinan Pepa Busqué y Ferran Destemple

Autor: Rita Página 1 de 9

Deadwaxzine: sobre el carácter de las imágenes.

Deadwaxzine es una publicación que se centra en el mundo de las imágenes, pero no para mostrárnoslas como si fueran un reflejo de la realidad, sino para intentar hablar con su propio lenguaje, con su propia gramática, en su propio territorio, a modo de ensayo visual. Deadwax es el espacio que queda en la matriz después del último surco que recorre la aguja de un tocadiscos sobre el disco antes de llegar al final, a la etiqueta. El factotum de esta empresa es Francisco Gálvez que utiliza un formato modesto como es el del popular fanzine para llevar a cabo sus proyectos. Cada número de Deadwaxzine contiene un universo cerrado, una propuesta autónoma y una cierta tensión con el lenguaje escrito. Con una mirada atenta a ese espacio que habitualmente ignoramos se pueden descubrir pequeños mensajes que los prensadores, los fabricantes del vinilos o incluso los propios grupos ponen allí, muchas veces en forma de broma críptica que suele pasar desapercibida hasta para los aficionados más atentos. Hasta ahora Francisco Gálvez ha publicado 10 números que podéis visualizar en su web.

He visto que en tu web no hay información personal y que tampoco hay ninguna declaración sobre los fundamentos y el enfoque de tu trabajo. Nos podrías explicar un poco por qué empezaste a publicar Deadwax y qué pretendías con ello. Dicho de otra forma, ¿cuáles son tus planteamientos, tus intereses a la hora de realizar el fanzine?

En efecto, en la web no hay mucha información sobre el proyecto, ni sobre su autor. Podría decir que es una parte del mismo que aún está en construcción, pero lo cierto es que es un accesorio del que no me he preocupado mucho. Tal vez porque el planteamiento de las publicaciones de Deadwax requieren del hecho mismo de pasar las páginas, y esto hace que sea difícil desligarlo de la cosa material. Ahora uno de los retos que me planteo, como extensión del proyecto, es pasar al formato expositivo y aún no sé cómo llevarlo a cabo, como terminar de concretar esa opción.
La web, un micro espacio de Tumblr, surgió puntualmente como necesidad de tener un soporte en la red que sirviese de referente y contacto.
Creo que la motivación inicial viene de algo que leí donde se citaba un texto de W.J.T. Mitchell, que para mí ha resultado fundamental, “hablar de las imágenes en su propio lenguaje”. Básicamente se refiere a dejar de lado el modelo de interpretación lingüístico que propone la semiótica para centrarnos en aquello que la imagen tiene como algo propio, sus propias normas, con lo que ello sea y el reto que en definitiva supone, pues el objeto de estudio, la imagen, es en sí mismo un límite, es difícil de acotar. Otra motivación o inquietud que podría sumarse viene de enfrentarme con la propuesta novelística de W.G. Sebald, – te hablo de Sebald, pero podríamos encontrar muchos otros ejemplos de esto mismo-; casi todas sus obras contienen imágenes al hilo de su desarrollo narrativo. Y ninguno de los comentaristas de su obra, al menos que yo conozca, se detiene a analizar este hecho, lo pasan por alto, arguyendo que son meras ilustraciones, cuando, en mi opinión al menos, creo que juegan un papel importante en el sentido de abrir otros canales de interpretación del texto.

¿Has conseguido tus objetivos iniciales, si es que los había a priori?

El único objetivo definido, hasta ahora, ha sido el de mantener la periodicidad, que los fanzines aparecieran siempre en las mismas fechas, cada seis meses. Aunque podría añadir que sí he mantenido una premisa, la de evitar la repetición, entrar en un bucle estéril solo por el hecho de seguir con el proyecto, sin ver que estaba repitiendo la misma jugada.

¿El fanzine como formato? ¿El fanzine como necesidad?

Probablemente ambas cosas a un tiempo. No tengo una deliberada vocación underground pero me conformo con llegar a unas cuantas personas afines a través de este proyecto. En ningún caso me he planteado buscar una salida más masiva, de mayor alcance por mi parte, pero si me ofrecen publicar algo así, con una distribución normalizada indudablemente lo haría, es algo que me hace ilusión. El fanzine me da la oportunidad de hacer lo que quiero, aunque tampoco está exento de asumir la responsabilidad de que quien lo recibe se encuentre con algo medianamente bien hecho y bien planteado.

¿Provienes del ámbito de lo visual?

Sí, hice Bellas artes y me he dedicado al diseño gráfico profesionalmente. Ahora doy clases de diseño gráfico y técnicas de impresión y continúo desarrollando mis proyectos de carácter artístico de manera esporádica.

Al leer tus zines advierto en un texto … “la idea motriz es la de ensayo visual, al menos inicialmente, es decir hablar en el lenguaje de las imágenes. La publicación ha ido evolucionando hacia algo, quizás, más complejo, más de pensar en/con las imágenes, de entender nuestra relación con ellas”.
Pensar en/con imágenes, entender nuestra relación con ellas resultar bastante difícil de conceptualizar, al menos para mí. El lenguaje escrito es una abstracción de la realidad, sin embargo las imágenes quieren ser una copia de la realidad pero una realidad a la que le falta el comentario, el pie de letra. No sabría utilizar las imágenes como un lenguaje … sin embargo dicen que “una imagen vale más que mil palabras”. ¿Cómo te desenvuelves en esa paradoja?

Sin abundar en explicaciones que requerirían más espacio y probablemente más tiempo por parte del lector de estas líneas, debemos tener en cuenta que la imagen es más que la imagen fotográfica, e incluso en este mismo caso, la fotografía es algo más que copia de la realidad, una realidad en sí misma y cuanto más en esta época digital que ha acabado por poner en entredicho incluso esa ‘promesa de verdad’ en tanto que reflejo del mundo ‘real’.
Creo que si bien es cierto que las más de las veces necesitamos del pie de foto como prótesis, como ayuda externa, la imagen es autónoma, tiene sus propias normas, una manera de construirse diferente del lenguaje, indistintamente de que su sentido pueda verse comprometido en función del contexto. No quiero decir que ésta conforme un lenguaje espontáneo pero sí que forman signos conjugables, y aquí podemos encontrar dos enfoques, uno puramente formalista y otro que se centra en el significado, que es el que a mí me parece más interesante. Tomando esa línea en el sentido de Aby Warburg, que quería descubrir los gestos de la antigüedad clásica en las imágenes publicitarias de su época. Para mí, las imágenes desarrollan una genealogía, patrones intemporales que se hayan presentes.

El lenguaje es el culmen del raciocinio. Las palabras definen las propias palabras. Las imágenes, que pueden exponer unos hechos, incluso narrarlos más o menos ambiguamente, son para ti exactas, es decir ¿puedes conseguir con ellas lo que pretendes explicar?
¿O por el contrario no se trata de explicar nada, quizá de sugerir, de introducir al espectador en una constelación subjetiva de imágenes que le invadan para intentar situarlo en el mismo contexto del autor?

La naturaleza de la imagen es polisémica y en este sentido, se torna escurridiza del mismo modo que pueda serlo el lenguaje, que tampoco creo que sea unívoco. Si antes decía que nuestra época digital nos hacía desconfiar del espectro real de la imagen, con el lenguaje sucede lo mismo. Habitamos un tiempo de neolenguas, de escaramuzas verbales en el terreno político. Recuerdo haber leído a William Burroughs contar que el instigador, su revulsivo, a la hora de poner patas arriba la literatura fue su amigo Brion Gysin al echarle en cara que el lenguaje literario estaba a años luz del alcance de otras artes como la pintura a la hora de revelar o crear otras realidades. Quiero decir que el lenguaje tanto en su uso más pragmático como en la creación literaria sufre de los mismos contratiempos respecto de su interpretabilidad. Entender la imagen también requiere de una alfabetización. Pienso ahora que, para mucha gente, leer a Samuel Beckett, Thomas Bernhard, el Finnegans wake de Joyce o al propio Burroughs y entenderlos, por señalar algunos ejemplos, también acarrea un problema de legibilidad.

¿Un espacio de imágenes, un discurso de imágenes como el tuyo puede leerse de una forma meramente contemplativa?

Espero que sí. Contemplativa y distraída incluso. Habrá quien pasee los ojos por sus páginas y no se sienta interpelado. Si hay algo realmente complicado hoy día es lograr que alguien se fije en las imágenes que difundimos, sobre todo en las propias.

Quizá, en un principio, las imágenes fueron instrumentos mágicos, con una función ritual. Ahora, en la modernidad han perdido esa característica para ser instrumentos de, permíteme el atrevimiento, infección. Las imágenes (también cómo no, las palabras) nos infectan, propagan la infección de un cierto tipo de lenguaje y de ideología ¿Utilizas las imágenes como objetos carentes de aura?

Como ya planteó Benjamin en su célebre y archicitado ensayo sobre la obra de arte, la reproducción mecánica vacía de su contenido aurático a la imagen, pero sin embargo se democratiza el conocimiento a través de los medios de masas y se potencia su capacidad política. Dicho de manera un tanto simplificadora. La reproducción masiva trae consigo también la banalización y desacralización de la imagen, entre otras cosas como efecto de su mercantilización. Burroughs, al que citaba anteriormente, concebía el lenguaje como virus, algo a combatir y exterminar, porque este no era sino el vehículo de normativización social por excelencia, el lenguaje del poder. Pero no es por nada de esto por lo que Deadwax podría pasar por un ejercicio iconoclasta, sino que en el uso o la distribución de las imágenes que hago, se tiende a igualarlas, se unifican bajo un criterio más o menos homogéneo y no solo formal, como estrategia.

La imagen reproducida tiene textura, tiene un cierto volumen, está detenida en el tiempo, carece de tiempo, está tramada por su propia constitución como elemento reproducido. La imagen que observamos directamente con nuestro ojos de algo no reproducido por medios mecánicos (en papel o en pantalla) tiene otras características y además sucede en otro tiempo, un tiempo que no se puede detener y que solo existe en el recuerdo de esa imagen. La realidad sucede, la imagen se capta. ¿El recuerdo de las imágenes son las reproducciones mentales de las imágenes? Pueden existir, sin embargo, imágenes que no estén sustentadas por la memoria y que estén exentas de realidad. ¿Podría ser el caso de las imágenes sintéticas o virtuales, que no reproducen ninguna realidad, sino que la constituyen?

Esto que me preguntas es muy interesante. Cuando soñamos nuestra mente elabora algo que experimentamos como nuevo, algo que no es sino la reelaboración de retazos de memoria. Creo que es lo mismo que sucede con los Deja vu, percepciones parciales de la realidad que nuestra mente reconstruye como completas. El “recuerdo de las imágenes” al que te refieres en tu pregunta, será una reproducción mental de las imágenes vividas por nosotros como sujetos y que hemos construido como imágenes, del mismo modo que elaboramos nuestros recuerdos en tanto que los evocamos una y otra vez incorporando cosas que inventamos o bien transformamos en tanto que nos detenemos en un detalle u otro. Es como oír contar la misma historia a una persona en momentos diferentes, siempre hay un aporte novedoso. Creo que con nuestras imágenes mentales conscientes sucede algo parecido. No es que sean falsas o carezcan de realidad, es que nosotros como sujetos generamos esa realidad no objetivable. La imagen de síntesis o virtual, indistintamente de cómo se haya obtenido, siempre tiene un sustrato de realidad. Es la misma cuestión que suscitó en su momento la pintura abstracta con respecto a los debates acerca de la representación. Por muy lejos que estuviese de la realidad formal, fenoménica, aunque solo fuese por el soporte matérico que la sustentaba, esta constituía una realidad autónoma, imágenes nuevas y vivas.

Los juegos salvajes y el Gran Monstruo.

Necesitamos más ideas para el Arte Correo. Estamos dispuestos a escuchar más ideas. ¿Por qué no nos dan algunas ideas? Pero no las digan: por favor, envíenlas por correo” Ulises Carrión

Pero ¿quién es el Gran Monstruo? El Gran Monstruo siempre está frente a nosotros, es gigantesco y enorme pero rara vez lo vemos en toda su dimensión. Es brutal, carece de cualquier escrúpulo y ruge amenazante pero lo hemos integrado tan profundamente en nuestras vidas que rara vez lo oímos, lo vemos, nos enfrentamos.

Ni siquiera Ulises Carrión (el artista parte holandés, parte mejicano de la segunda mitad del siglo XX) tuvo claro a quién se refería cuando hablada de él. Todo lo que sabía, de lo único que podia estar seguro es de que existía y nos vigilaba. También estaba seguro de que el Arte Correo era una manera de minar su existencia, de contravenirle, de eliminar esas barreras de todo tipo que nos separan los unos de los otros. Cada envío de Arte Correo significaba cuestionar al Gran Monstruo, lanzar una flecha más o menos acertadamente a su cuerpo, intentar asalatar las murallas del Castillo donde vive. Fracasar, seguramente, una y otra vez.

El Gran Monstruo espera…

Formas de fracasar hay muchas y cada uno de nosotros debe experimentar con las propias. El binomio éxito-fracaso o ganar-perder parece que es uno de los fundamentos de esta sociedad tan competitiva e individualista en la que nos movemos. Los juegos siempre han sido un modo de aprender, de relacionarse, de construir conocimiento. Los situacionistas hicieron de él uno de los ejes básicos de sus propuestas, pero los juegos que planteaban eran cualitativamente distintos de los que hemos aprendido, donde hay una exaltación, un poso de competitividad y mercancía. Los situacionistas plantearon unos juegos donde no existiera el elemento de rivalidad derivado de la economía capitalista, donde la competición dejara paso a la relación social y se diluyera la barrera entre juego y vida cotidiana. El juego era concebido como creador de experiencia y un realizador de los deseos subjetivos del individuo, era una forma de enriquecerse y desarrollarse en la alienante vida diaria. Era un “medio para no reducir toda nuestra experiencia vivida a la producción y consumo de mercancías”.

Ya desde Dadá, se cuestionó el hecho de la producción de objetos estéticos, ya fuera con el Ready-made, o con el hecho de reinterpretar y reutilizar lo que ya había sido producido. Crear no era la cuestión, la cuestión era relacionar, establecer vínculos entre las cosas o las ideas ya existentes. Para ellos el arte era la invención de nuevas formas de actividad, no de mercancía.

El problema es cómo podemos alejarnos de la inmersión en el capitalismo a la que estamos sometidos y cómo podemos producirnos, construirnos a nosotros mismos. Cómo podemos centrarnos en el sujeto y no en los objetos. Hemos, inevitablemente, de empezar a crear nuestras propias circunstancias, nuestro propio contexto donde poder desarrollar nuestra propia subjetividad. Hemos de construir nuestras propias situaciones, nuestro propio tiempo y espacio.

Para los situacionistas la ciudad era el lugar contemporáneo donde el individuo podía desarrollarse. Los mail artistas han sabido engrandecer el territorio de aprendizaje por medio del correo y otras formas de relación y crear toda una serie de juegos que cuestionan el binomio fracaso-éxito, que los privilegian frente la inmersión neoliberal.

Sin embargo, el tiempo pasa y estos juegos (establecidos la mayoría de ellos ya hace muchos años) se han enquistado en un cierto conformismo, en una cierto acomodo que busca más el reconocimiento mediante fórmulas ya muy conocidas y utilizadas que el riesgo de aventurarse en nuevas propuestas.

Creo que hemos de elevar un grado los juegos a los que jugamos, creo que los nuevos juegos deben ser radicalmente subjetivos y han de proporcionarnos elementos para la construcción de nuestra propia vida, una vida que comporta inevitablemente un desafío al paradigma social y cultural dominante.

Estos juegos deben procurar implícita o explícitamente subordinar la mercancía al deseo, y pueden hacerlo de dos formas distintas: o bien destruyendo esa mercancía que cada vez es más omnipresente y constitutiva o bien subvirtiéndola para desenmascararla. Estos nuevos juegos han de ser, irremediablemente y como corresponde a los nuevos tiempos, totalmente salvajes.

Algunos juegos a los que ya hemos podido jugar:

> Añadir y pasar y/o Añadir y retornar. Se trata básicamente de construir una cadena. Una cadena que puede ser de ida y vuelta o infinita. Un primer artista envía a uno o varios de sus contactos una imagen, un texto, una obra inacabada, para que el otro la complete y la retorne; o para que siga viajando de artista en artista. Cada uno de ellos dejará su huella en el papel.

Ejemplo da añadir y retornar.


> ¡Que yo no soy yo, que me dejes tu nombre te digo! Gracias al Neoismo (movimiento artístico de los años 80) se divulgó el concepto de nombre múltiple, denominado también nombre abierto, que no es ni un seudónimo ni un heterónimo. El nombre múltiple es un nombre que cualquiera puede adoptar para realizar algún tipo de acto anónimo. Es un contenedor vacío que puede tener muchos y diversos habitantes. Uno puede utilizar a Chus Martínez, a Luther Blisset, a Karen Eliot o Monty Cantsin.

Es innegable la cantidad inmensa de seudónimos y personalidades inventadas que circulan por el Arte Correo. También, y consecuentemente, los fakes, hechos inverosímiles, fantasías de todo tipo, parodias y actos imposibles.


> Sellos de artista: franquea tu personalidad. Son sellos hechos por artistas simulando las formas de un sello de correos ordinario pero con imágenes y mensajes propios y personales. Intentan producir cierta confusión y perplejidad en el mundo oficial y burocrático que es el correo postal. No tienen ningún valor oficial.
Suelen haber muchos coleccionistas, dentro del mundo del Mail Art, de este tipo de filatelia paródica.


> Tu buzón es un museo. El papel del museo queda totalmente cuestinado por el Arte Correo. El Museo de arte contemporáneo es una caja blanca donde se etiqueta el arte y donde se crea un Canon, que establece unas categorías estéticas. Aquello individual, el gusto y la subjetividad quedan relegadas por el peso de la académia.

El Arte Correo ignora el Museo porque tiene un circuito propio, internacional, múltiple, variable, subjetivo… El Museo es sustituido por el Archivo. Cada mailartista posee un archivo propio, individual y único, también irrepetible que podemos considerar como un Museo personal e inestable. La proliferación de archivos personales, individuales cuestiona el Canon académico y propone otras consideraciones y categorías. Asimismo, implícitamente, desjerarquiza el arte y a los artistas, pues no hay jurados, ni seleciones, ni dinero de por medio.


>Poesía Visual: un idioma universal. Es un tipo de poesía que rehuye el texto para jugar con las imágenes. Es muy frecuente en el Arte Correo por la inteligibilidad y universalización que proporciona al contenido y al mensaje. Es un buen idioma común para relacionar a practicantes de distintas lenguas.

A título personal pienso que ha tenido tanto éxito que se ha convertido en un género propio, con su reglas no escritas pero bien definidas. Sin embargo, creo que también, precisamente por convertirse en un género, ofrece síntomas de cansancio, agotamiento y de redundancia.


>Trashpo: poesía desde el residuo. Es este un tipo de poesía que yo hasta hace poco desconocía (al menos como una entidad propia) pero que veo que se practica con fuerza. Se trata del envío de poemas hechos únicamente con deshechos y basura.
Ha habido, y he participado, en algún Karnival internacional dedicado solo al Trashpo.


>¡Publicad, publicad, malditos! Las publicaciones y el tipo de publicaciones en al Arte Correo son infinitas. Algunas beben de Fluxus, otras del Punk o el Industrial. Las hay con formatos imposibles, las hay que no tienen formatos, las hay en papel, en plástico, en cartón, transparentes. Revistas especializadas en Poesía Visual, en Escritura Asémica… Las hay metareferenciales, que hablan del propio Mail Art, las hay objetuales, las hay ensambladas… una experiencia inabarcable.


>Escritura Asémica: escribir y no decir nada. La Escritura Asémica, que podemos llamar también asemántica, no es propia del Mail Art aunque evidentemente se ha utilizado en todo tipo de envíos postales y obras artísticas. No entraremos ahora en la cronohistoria de este tipo de escritura, simplemente comentar que es un juego complejo, muy rico en posibilidades estéticas y simbólicas. Se trata, en mayor o menor medida, de crear una simulación de escritura que tense las relaciones entre signo y significado. Evidentemente, uno puede quedarse en la superficie y simplemente mostrar algo que parezcan signos lingüísticos, pero también puede adentrarse en una sintaxis, en una gramática construida con otras normas, con otras reglas.

Los significados implícitos de una Escritura Asémica pueden ser muy diversos, desde una preocupación estética hasta el reflejo plástico de la incomunicación.


>Escucha: Envíame también tus sonidos. Al igual que en el Arte Correo se intercambian comunicaciones estéticas de carácter visual, también se hace lo mismo con las piezas sonoras. Este tipo de permutas y acciones tuvo su clímax en los años 80, gracias a la proliferación de las casetes, que facilitaron la grabación y difusión de músicas alternativas. Actualmente los netlabels han ocupado ese lugar de difusión de las otras músicas y los envíos postales con contenido acústico han dejado prácticamente de existir.

He de remarcar que hay artistas que se siguen moviendo en el ámbito sónico y no han renunciado al intercambio y a la acción del Arte Correo. Un ejemplo paradigmático es el caso de “Mute Sound” comandado por Pedro Bericat.

Prospección para un futuro inmediato:

Estos son algunos de los juegos a los que podemos, y seguramente, hemos jugado ya. Algunos de ellos ya tienen muchos años y deberían renovarse. Los mail artistas deberíamos estar comprometidos, no solo ha jugar a los juegos que ya han sido aceptados por todos y están más o menos normalizados, sino a crear nuevos juegos que nos permitan forzar las situaciones. El Arte Correo trata de establecer permanente o provisionalmente relaciones entre sensibilidades e intereses. Estas cambian con el tiempo, no son inmutables. El Mail Art, como vehículo que es de esas inquietudes, debe también cambiar, mutar pero sin renunciar a transformar a la vez la realidad que nos circunda.

Curriculum vitae

Pepa Busqué.

>Formación académica: Licenciada en Bellas Artes por la Universidad de Barcelona. >Diplomatura de Posgrado “L’empremta digital” UB. >Desde el año 1993 trabaja de profesora de Grabado y técnicas de estampación en el Conservatorio de las Artes del Libro. Escuela “Llotja”. >En el año 2015 es nombrada “Mestre Artesà”.

>2017. Junto a Ferran Destemple crean “La Rita Cooper edita”.  Se presentan en “Utopía Market, Poesía”. >Obra gráfia en “OriginalArtBOX”. >Exposición homenaje a Olga Sacharoff en el “Espai Blanc” de “La Llotja”.

>Desde 1998 hasta el 2016 ha participado en la editorial de libros de artistas “13L”. Han presentado sus publicaciones en exposiciones, ferias y bienales de arte.

>2016. Exposición y presentación del libro de fotopoemas “In_fussions” en la sala “El refugi” de Santa Margarida de Montbui. Libro hecho en colaboración con Encarna Ruiz Cuerva.

>2013. Festival “Miradas de mujer” en la Universidad Autónoma de Barcelona. > “Transpaper” en “Tinta invisible”.

>2009. Mención honorífica en la modalidad de técnica digital en el 1er Certamen Mufart, Madrid.

>2008, 2010 y 20011. Seleccionada en el certamen de Poesía Experimental. Diputación de Badajoz. 

>2007. “Utopía”. Casa América. Barcelona.  

>2004. Exposición colectiva en el “Espai Tirant lo Blanc”

>2002. Arco. Madrid. Universia, con el departamento de grabado de la UB.

>2001. Estampa. Madrid. Galería Raiña Lupa.

>2000. “Yo soy tu hogar”. Galería Caligrama, Barcelona (con Ferran Destemple). >“Identity art competition”. Deutsche bank’s. Barcelona, Frankfurt, Londres, New York y Tokio.

>1998.  “Miradas”. Certamen de artes plásticas, Alicante.

Las escrituras del tío Bill

Este es un espacio del tío Bill para publicar algunas de las infecciones del lenguaje ¡Entra en su máquina blanda!


El lenguaje asémico es preciso y seco como un disparo.

Curriculum vitae.

Ferran Destemple. Contacto: ferrandestemple@gmail.com

>Formación Académica:
Licenciado en Filología Hispánica. Universidad de Barcelona UB,1996. Diplomatura de postgrado en Estética i Teoría del arte contemporáneo. Universidad Autónoma de Barcelona, 2002.

>2018. Finalista en el III Premio Internacional de Poesía Visual Villa de Bormujos. >Colaboración en Bitácora de Vuelos con la sección Ruidos diversos.

>2017. Junto a Pepa Busqué crean “La Rita Cooper edita”. Se presentan en “Utopía Market, Poesía”. >Seleccionado en el I Premio Internacional de Poesía Experimental del CPV. Peñarroya-Pueblonuevo.          

>2016. Ex!Poesía: “Aspectos curriculares pocos conocidos de nuestros poetas visuales”. >Contenedores: Avant Dadá. Dadá x 100.    

>2015. Colaboraciones en: Triadae Magazine y Proyecto Genoma Poético.

>2014.  Publicación del libro de poemas “Elementos de rotación” en la Editorial Palimpsesto 2.0. 

>2012-2014. Colaboraciones en los Cuadernos de la Editorial Palimpsesto 2.0. > Publicación y envío, en ediciones de 100 ejemplares, de 19 poemas postales pertenecientes a la acción de Arte correo “Servicio postal”.

>Exposiciones:

>2008, 2009, 2010 y 20011. Seleccionado en el certamen de Poesía Experimental. Diputación de Badajoz. 

 >2009. Participación en el nº 10 de la revista “Metamorfosis” que se presentó en MX Espai y en la Sala Municipal de Barakaldo.

>2007. “Utopía”. Casa América. Barcelona.

>2004. “Mac zona”. Centre cívic Barceloneta

>2003. “Antonin Artaud”. Centre cívic Barceloneta.

>2002. Arco. Madrid. Universia, con el departamento de grabado de la UB

>2001. Estampa. Madrid. Galería Raiña Lupa.

>2000. “Amb una gota de llum”. Valls Capella de Sant Roc. Espai contemporani. >“Yo soy tu hogar”. Galería Caligrama, Barcelona (con Pepa Busqué)

>1998. “Busco poema en esta zona”. La ciutat de les paraules. Macba, Barcelona. >“Miradas”. Certamen de artes plásticas, Alicante.

>1997. “Anatomies de l’ànima”. Espai 13. Fundación Miró. Barcelona. “Aduana X”. Certamen nacional de artes plásticas, Cádiz.

>1996. “Los puntos cardinales”. La Caixa Laietana. Argentona.

>Seleccionado en los siguentes premios de obra gráfica:
>2000. “Contratalla”. 1a Biennal de grabado. Tarragona.
Fundación Deustche Stiftung. Galería Brita Prinz. Madrid. VIII Biennale de gravure. Conflans-Sainte Honorine. Francia
Premio “Carmen Arozamena”. Galería Brita Prinz. Madrid. >Desde 1997 hasta 2003 participa en diversas exposiciones de libros de artista con la editorial “13-L”.

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